Nijigahara Holograph (Ponent Mon, 2009)

Nijigahara Holograph

Inio Asano

Ponent Mon, 2009

296 páginas / blanco y negro

Precio: 15 euros

ISBN: 978-84-92444-35-9

www.ponentmon.com

Inquietud y desasosiego son los primeros sentimientos que provoca Nijigahara Holograph, manga perturbador y genial del dibujante japonés Inio Asano (Ibaraki, 1980), antes de hacernos caer en el asombro y la admiración. Sobre todo si uno tiene el corazón fuerte y le gusta rebozarse con gozo en el psico-thriller más terrorífico, perverso y enigmático, ese que exige un especial esfuerzo intelectual por parte del lector / espectador.

Y es que la atmósfera creada por Asano comulga, por ejemplo, con las películas de David Lynch o El silencio de los corderos (1991), de Jonathan Demme; con novelas como El señor de las moscas (1954), de William Golding, o con comics como Monster, de Naoki Urasawa. Nijigahara Holograph apresa y confunde en una lectura laberíntica repleta de incógnitas. La narración culebrea entre constantes flashbacks espacio temporales confundiendo realidad y sueños de unos oscuros protagonistas infantiles / adolescentes atrapados en la opresiva tela de araña de sus propias almas atormentadas. Entre estos personajes angustiados por secretos aterradores destacan Amahiko Suzuki, la profesora Sakaki, Komatsuzaki, Arakama, Takahama, Kimura.

Asano remata la historia con un escenario deprimente que recuerda al de El Astillero, la novela de Juan Carlos Onetti. Edificios tristes y fríos propios de una ciudad fantasmagórica que, como en la obra del uruguayo, buscan transmitir la depresión de una sociedad, la nipona, que ha visto el fin de su modelo económico y social, del ocaso de la prosperidad que garantizaba la estabilidad laboral y vital del país en la década de los ochenta y que tuvo un abrupto final con la quiebra comercial de la Bolsa de Tokio de 1990.

Pero en medio de este paisaje angustioso, rebosante de malestar y desazón, aparecen unas misteriosas mariposas, brillante contrapunto metafórico de hermosura y luz, que rinden un homenaje casual al realismo mágico latinoamericano. La aparición de estos insectos parece estar conectada a una conocida leyenda tradicional japonesa que cuenta la historia de un joven, quien tras la muerte de sus padres, observa la repentina llegada de unas mariposas a su jardín. Al joven se le revela en un sueño que en el interior de los insectos habitan las almas de sus progenitores.

Pero estamos hablando de un manga, de una obra donde lo visual es tremendamente importante. Y en este aspecto brilla aún más el enorme talento de Inio Asano. Mangaka desconocido por el gran público, este joven dibujante ha publicado hasta la fecha otras obras reseñables como Subarashii Sekai y Solanin. Concibió Nijigahara Holograph cuando apenas contaba con 23 años y en ella nos muestra ese estilo gráfico atractivo, elegante y detallista, muy ligado al lenguaje cinematográfico y al puramente fotográfico - como la profundidad de campo definida por la óptica y el diafragma, con encuadres que nos sitúan en la piel de un voyeur –, que hoy son seña de identidad de un interesantísimo artista.

Bukowski (La Cúpula, 2008)

Bukowski (2ª edición Ampliada)

Schultheiss

Ediciones La Cúpula, 2008

116 páginas / blanco y negro

Precio: 12 euros

ISBN: 978-84-7833-813-9

www.lacupula.com

A veces es imposible no ser un friki y resultar tan denso en las explicaciones como ese puré de patatas que no parece haber respetado el efecto lógico a las medidas de agua y leche recomendadas por el fabricante. Pues, como diría Bukowski: ¡hay que joderse!

La pareja perfecta existe. No es una leyenda. Se puede comprobar en cualquier momento. Basta con ir a una tienda de comics y agenciarse la recopilación de narraciones breves de Charles Bukowski que Ediciones La Cúpula ha publicado, con el simple título de Bukowski, en una segunda edición ampliada. Adaptadas al lenguaje del cómic por el dibujante Matthias Schultheiss (Nuremberg, 1946), uno de los narradores gráficos más interesantes a nivel europeo, incluye ocho relatos: Los asesinos, Un trabajo en Nueva Orleans, Una puta de 120 kilos, Nueva York por 95 centavos, Dos borrachines, Henry Beckett, Kid Stardust y Mi madre culona. Todos ellos son un reflejo fiel tanto de la obra del maestro del realismo sucio, como de las excelencias gráficas del multipremiado dibujante germano, claramente inspirado por las técnicas de ilustración americanas. Ambos forman un binomio artístico perfecto, atornillado por coincidencias vitales y temáticas como la decepción con el sistema educativo y la industria editorial o la ácida crítica social.

Charles Bukowski nació en Andernach, Alemania, en 1920. Cuando tenía tres años su familia emigró a EE.UU., donde vivió hasta su muerte, en Los Angeles, en 1994. El ambiente de la ciudad californiana, donde residió gran parte de su vida, tendrá una gran influencia en la temática de sus novelas, la mayoría de ellas de carácter autobiográfico.

Después de cursar estudios de arte, periodismo y literatura, durante dos años, en la Universidad de Los Ángeles, Bukowski se lanzó a la carretera para viajar durante años de forma errática y realizar todo tipo de trabajos a lo largo y ancho del país. Una razón más, junto a similitudes de estilo y actitud, para asociarlo erróneamente con Kerouac y el resto de la Generación Beat. Bukowski publicó Cartero, su primera novela, a los 46 años. A partir de entonces, el creador de la ficción transgresiva se dedicó profesionalmente a la literatura. La senda del perdedor, Factotum, Mujeres y Hollywood, son algunos de los más de cincuenta títulos, incontables relatos cortos y multitud de poemas que nos legó el prolífico autor.

En cuanto a la trayectoria de Schultheiss, quien abandonaría sus estudios a pesar de sus excelentes calificaciones decepcionado por el sistema educativo, su primer cómic fue Trucker (1981), una balada épica sobre camioneros. A Trucker le seguirían obras como La guerra fría, La verdad sobre Shelby, Los tiburones de Lagos, Night Taxi y las comentadas adaptaciones de los relatos del influyente escritor y poeta estadounidense. Autor consagrado internacionalmente, la obra de Schultheiss ha aparecido publicada en Alemania, Francia, Dinamarca, Italia, Holanda, Estados Unidos, Japón y España.

Melancolía hi-fi

Love Song Vol 1
Christopher
Glénat, 2008
48 páginas / color
Precio: 14 euros
ISBN: 978-84-96815-00-1
http://www.edicionesglenat.es/

¿Escucho pop porque estoy deprimido o estoy deprimido porque escucho pop? Tamaña reflexión existencial es emitida por Rob Gordon (John Cusack), personaje principal de la película High Fidelity (2000). Dirigida por Stephen Frears, este filme está basado en la novela homónima del británico Nick Hornby que, publicada cinco años antes, sirve también de inspiración a la tetralogía Love Song (Glénat, 2008) del dibujante francés Christopher, cuyo primer volumen ha sido editado en nuestro país.
Pero mientras que el argumento de la película es realmente fiel al libro – sólo aparecen dos diferencias destacables entre el texto literario y el guión cinematográfico: en el primero, la historia transcurre en Londres y su protagonista se llama Rob Fleming; en el segundo, la acción tiene lugar en Chicago y la protagoniza Rob Gordon – el cómic coincide con novela y película apenas en la lograda caricaturización de ese friki aficionado a la música y la cultura pop y en las referencias constantes a una memoria musical colectiva a la hora de tejer una red de sentimientos agridulces universales.
Auténtico especialista en comedias de costumbres, Christopher ha conseguido con Love Song pergeñar una radiografía sentimental, cómica, melancólica y costumbrista de una generación que ahora se asoma con terror a los cuarenta. Lo hace a través de la historia de cuatro amigos que se resisten a disolver su grupo de música, Sleeping Watermelons, que montaron hace casi veinte años. Y no porque cabalguen la gran ola del éxito sino porque es lo único que les hace sentirse jóvenes. En este capítulo destacan los logrados flashbacks, juegos gráficos bien resueltos que contraponen los ensayos musicales del grupo a lo largo de los años.
Las coincidencias de Love Song con Alta Fidelidad / High Fidelity también se encuentran en su construcción. Mientras que la historia de Alta Fidelidad se estructuraba alrededor de un tragicómico «Top 5 de los fracasos sentimentales de Rob Gordon», en Love Song, en cambio, Manu, Sam, el Bolas y Greg, los cuatro amigos, darán por turnos su propia versión de sus aventuras / desventuras al respectivo ritmo de The Beatles, The Rolling Stones, The Who y The Kinks, sus grupos favoritos. Además, según quien sea el narrador, portada y contraportada parodian una cubierta legendaria de las cuatro bandas mencionadas - la primera hace referencia a los Beatles y a su disco Rubber Soul – mientras que sus capítulos son subtitulados con canciones del grupo homenajeado. En definitiva, una excelente combinación en dosis justas de humor, dramatismo, frikismo musical y nostalgia. http://www.ratondecomicteca.blogspot.com/

Moonlight Blues (Astiberri, 2007)

Moonlight Blues
Stefano Casini
Astiberri, 2007
48 páginas / blanco y negro
Precio: 8 euros
ISBN: 978-84-96815-00-1
http://www.astiberri.com/

Moonlight Blues (Astiberri, 2007) es un cómic escrito y dibujado por Stefano Casini (Livorno, Italia, 1958). Dibujante, diseñador, publicista y docente, el polivalente Casini comenzó su relación con el mundo del cómic a finales de la década de los setenta con la publicación de Hidrogeno. Después de dibujar personajes del ámbito de la ciencia ficción como Nathan Never, el italiano se ha dedicado en los últimos tiempos a novelas gráficas más personales y variadas como, por ejemplo, Firenze Estate, I demoni hano fame, Hasta la Victoria! o, la que nos ocupa, Moonlight Blues.
Sencilla y previsible, su historia está ambientada en los años cuarenta, en la ciudad de Nueva York y su guión haría las delicias del mismísimo Nino Frank, el crítico francés que pergeñó la expresión film noir o cine negro. Claro que no sería precisamente por su originalidad sino más bien por la respetuosa y escrupulosa presencia de todos los estereotipos del género, a saber: una ciudad infestada de timbas ilegales, combates de boxeo amañados, antros cuya eterna banda sonora son el blues y el jazz; escenarios donde se entremezclan poderosos mafiosos, delincuentes y matones a sueldo, ciudadanos corrientes, boxeadores fracasados, putas de bajos fondos, femmes fatales a lo Barbara Stanwyck o Lana Turner más mortíferas que la nicotina; o galanes sin muchos escrúpulos como Humphrey Bogart o Fred Macmurray. Todos ellos seres corruptos y / o corruptibles, desilusionados, cínicos y sucios que habitan un mundo sin esperanza. Si junto al discurrir de una narración, a todo ello se le añade el tratamiento sutil de dichos personajes, típico para este género cinematográfico, con el que la línea entre el bien y el mal queda difuminada, Moonlight Blues bien podría ser un calco del guión de una película de Howard Hawks, Orson Welles, Alfred Hitchcock u Otto Preminger, o de una novela de Agatha Christie o Raymond Chandler.
Pero la carencia de originalidad en el guión se suple con un tratamiento gráfico excepcional. Éste juega un papel esencial a la hora de crear ese ambiente fatalista de cómic noir. El uso del claroscuro a la hora de construir viñetas con sombras muy pronunciadas que envuelven todo en un halo asfixiante - a excepción de aquellas en las que se quiere reflejar cierta esperanza - es un nuevo guiño a las películas clásicas del género negro.
Otros elementos a destacar son la voz en off, narrador omnisciente que se explaya en el discurso, en contraposición con la concisión habitual del cómic y la eliminación de la común uniformidad de las historietas, donde las viñetas se componen de dibujo y globos de texto. Así, Casini introduce páginas donde la narración de los acontecimientos va por un lado y las viñetas mudas por otro. Esto termina dando al dibujo, realizado con líneas onduladas y sinuosas, una posición dominante frente al texto. En definitiva, Moonlight Blues es una lectura ligera y recomendable que hace pasar un rato entretenido.

La invención de la salchicha al curry (Glénat, 2008)

La invención de la salchicha al curry
Isabel Kreitz
Glénat, 2008
64 páginas / blanco y negro
Precio: 10 euros
ISBN: 978-84-8357-653-3
http://www.edicionesglenat.es/

Como refleja el título de la novela gráfica de la autora alemana Isabel Kreitz (Hamburgo, 1967), la muy popular y querida – en Alemania - salchicha al curry es el eje central de este cómic de ficción histórica. En realidad, La invención de la salchicha al curry (Glénat, 2008) se basa en la novela de Uwe Timm, Die Entdeckung der Currywurst (1993) donde se divaga sobre el origen de una receta que para muchos alemanes no es tema baladí. De forma oficiosa, el invento de la Currywurst se ha atribuido a la berlinesa Herta Heuwer de quien se dice coció, por vez primera, salchichas con salsa de tomate, curry, salsa de Worcestershire y otros condimentos el 4 de septiembre de 1949, en su puesto callejero de Kaiser-Friedrich-Straße, en Berlin-Charlottenburg. Esta fecha, más un mito que un dato real, sirve para demostrar la importancia que dan los berlineses a tal descubrimiento. Por ello, al afirmar Timm en su novela que el honor del descubrimiento correspondía a una tal Lena Brücker en un puesto de salchichas del Großneumarkt de Hamburgo, en 1947, se desató una agria polémica entre ambas ciudades. Esta cuestión de orgullo regional gastronómico se ha solucionado con sendas placas conmemorativas en Berlín y Hamburgo.
Irónica y divertida, pero también llena del dramatismo en sus viñetas se describen los últimos días de la II Guerra Mundial en un Hamburgo totalmente destruido donde chocan quienes aún confían ciegamente en el Reich y no tratan de ocultar su fanatismo; y aquellos otros que esperan la noticia del final de la guerra con un gran alivio. Precisamente ese reflejo de la vida de los habitantes de la ciudad, en un tiempo en que los acontecimientos se sucedían a ritmo frenético - la llegada de los aliados, el suicidio de Hitler, el fin de la guerra… - es lo más interesante de un cómic que cumple en lo gráfico sin grandes alardes, salvo por unas ilustraciones en blanco y negro donde el brillante tratamiento de luces y sombras delata la influencia de su gran modelo Will Eisner.
Die Entdeckung der Currywurst (2005) es un ejemplo clásico del trabajo de Isabel Kreitz, con sus protagonistas integrados en un contexto histórico y, particularmente, local. Considerada como una de las dibujantes más prestigiosas de Alemania - en 1997 fue distinguida con el premio a la mejor dibujante de cómic de su país - Kreitz destaca por su estudio meticuloso de los escenarios. De esta manera consigue atmósferas veraces a la hora de llevar al lenguaje del cómic sucesos históricos y políticos de la historia alemana. Curiosamente ésta no ha sido la primera incursión gastronómica de su autora, ya que Kreitz ya colaboró con la japonesa Junko Iwamoto en la obra Descubrir el sushi.

El antihéroe del grunge

Odio. integral vol. 3
Peter Bagge
La Cúpula, 2008
124 páginas / color
Precio: 18 euros
ISBN: 978-84-7833-848-1
http://www.lacupula.com/

Odio (Hate en el original) de Peter Bagge ha sido y es uno de las series más importantes del cómic independiente estadounidense y por ende mundial. Directo, bien armado, insolente, fresco, grosero e inteligente, salpicado de un singular sentido del humor, Odio supone una de las cumbres creativas de la historieta humorística americana durante la década de los 90, una visión ácida, lúcida e hilarante de la juventud americana, por otra parte no tan distinta de la española. Narra la vida cotidiana de Buddy Bradley, un veinteañero al que muchos han visto como representante arquetípico de la hace unos años tan cacareada Generación X. Una valoración desmentida en parte por el propio Bagge al afirmar que muchas de las vicisitudes por las que pasa Buddy están muy relacionadas con sus propias vivencias aunque actualizadas con un par de detalles en cuanto a moda, referencias musicales...
El personaje de Buddy Bradely, protagonista de Odio, surgió de The Bradleys, una de las sub-series que el autor publicaba en la revista Neat Stuff, en la que parodiaba a la familia media norteamericana y en la que Buddy jugaba el papel del hijo mayor adolescente. En 1990, tras cerrar Neat Stuff, Bagge decide centrar sus historias en un mismo personaje y lanzar desde el principio una nueva cabecera. El escogido sería Buddy, y el título de su nuevo cómic, Odio.
En 1998, tras alcanzar su número 30, Bagge le puso fin con la serie plenamente consolidada, después de haber colaborado con algunos de sus autores favoritos, como Beto Hernández, Robert Crumb, Adrian Tomine o Alan Moore.
Peter Bagge (Nueva York, 1957) está muy influido por las corrientes underground de los sesenta (Gilbert Shelton, Aline Kominski, Bill Griffith, Harvey Kurtzman, Tex Avery y, sobre todo, Robert Crumb) y por la escena punk neoyorkina. Posteriormente se mudó a Seattle lugar donde el personaje central de Odio arrastra su pereza, desidia e inadaptación visceral al modelo social y laboral propuesto por el Sistema rodeado de un reparto de personajes de variados tipos psicológicos en plena eclosión del grunge, hecho que queda reflejado de forma patente. Una curiosidad: el propio Bagge fue partícipe indirecto de dicho movimiento al realizar abundantes ilustraciones para sellos discográficos locales por aquella época.
En España, donde ha cosechado un éxito incluso mayor que en su país de origen, la serie ha sido publicada por La Cúpula, editorial que, desde mayo de 2008, ha lanzado una nueva recopilación.

El largo adiós

Arrugas
Paco Roca
Astiberri, 2008
104 paginas color
Precio: 15 euros
ISBN: 978-84-968-1539-1
http://www.astiberri.com/

¡Pero qué tebeos más tristes que lees!, exclamó una buena amiga al echar una ojeada a Arrugas (Astiberri, 2008), la última y multipremiada novela gráfica del dibujante Paco Roca que yo, en aquel momento, devoraba con extrema fruición. Y es que en Arrugas, el autor valenciano galardonado con el Premio Nacional del Cómic 2008, se ha enfrentado con temas tan serios y delicados como son el Alzheimer y la demencia senil a través de la historia de Emilio, un antiguo ejecutivo bancario, quien es internado en una residencia de ancianos por su familia tras sufrir una nueva crisis de la enfermedad. Pero lo hace de una forma intimista y sensible, no exenta de un humor tierno que no cae en la caricatura o en un acercamiento al tema sensiblero y lacrimógeno. Además toda la historia está envuelta en un halo de gran verosimilitud que muestra el cuidadoso trabajo de documentación realizado por el valenciano quien recopiló anécdotas de padres y otros familiares ancianos de sus amigos, visitó residencias de ancianos para saber cómo era la vida en ellas y habló con médicos y enfermeros. El resultado fue un material de primera mano que le ha servido para estructurar una consistente ficción.
De todas formas, la mayor brillantez de esta obra reside en la perfecta combinación de recursos narrativos y técnicos utilizados y en un dibujo claro, simple y conciso pero perfectamente descriptivo. Roca demuestra un talento innato a la hora de sugerir sensaciones con imágenes, encadena las viñetas con fluidez y realiza excelentes transiciones entre escenas.
Por todo lo descrito, esta novela gráfica deja bien a las claras la mayoría de edad de una forma de expresión artística por muchos considerada como el Noveno Arte, una obra propicia para introducir en el mundo del cómic al lector no habitual, ese que generalmente no presta atención a los comics de humor, aventura, terror o fantasía.

La vida secreta de los jóvenes (La Cúpula, 2008)

La vida secreta de los jóvenes

Riad Sattouf

La Cúpula, 2008

160 páginas / blanco y negro

precio: 15 euros

ISBN 978-84-7833-852-8

www.ponentmon.com 

La vida secreta de los jóvenes (La Cúpula, 2008) es un estudio antropológico extraordinario, inquietante, sorprendente y divertido de la juventud francesa actual y perfectamente extrapolable al resto de la juventud globalizada del mal llamado primer mundo. Un trabajo de campo en forma de pildorazos de vida vistos y oídos en parques, restaurantes, fast foods, estaciones de tren, metro, oficinas de correo, librerías, taxis, playas y calles. Como si de una cámara indiscreta se tratara el dibujante Riad Sattouf (París, 1978) retrata situaciones singulares, o no tanto, ya que pueden estar ocurriendo ahora mismo cerca de nosotros, que delatan malos tratos, racismo, situaciones hilarantes, confusas, sexuales, estúpidas, escatológicas…

La vida secreta de los jóvenes es la recopilación de forma cronológica de esas brevísimas historietas de cómo máximo una página con ocho viñetas que el autor de origen magrebí ha ido publicando semanalmente en Charlie Hebdo, el decano de los semanarios satíricos franceses. En ellas, Sattouf apenas aparece y cuando lo hace se presenta como un observador imparcial: Pero en realidad es un voyeur inteligente que selecciona asombrosos documentos cotidianos.

Aunque parisino, Sattouf pasó su niñez entre Argelia, Libia y Siria y fue su abuela quien le inició en la lectura de comics y despertó en él sus inquietudes artísticas. Pospuesto su sueño de ser piloto, sus primeros trabajos como profesional los daría con la serie Petit Verglas. Más adelante, como autor total firmaría Les pauvres aventures de Jérémie, un trasunto del propio autor que le sirvió para contar historias más íntimas.

Su formación en Artes Aplicadas y en la École des Gobelins le ha permitido desarrollar una versatilidad que ha ido aplicando a disciplinas como la ilustración o el cine de animación, y en la actualidad, tras prestar su voz al Pequeño Vampiro de Joann Sfar, en su versión animada, trabaja en las postproducción de su primera película como director, una comedia de amoríos adolescentes que llevará por títulos Collégiens. 

Macarra cum Cable

Makoki integral
Gallardo & Mediavilla
Glénat, 2002
198 páginas / blanco y negro
precio: 19,95 euros
ISBN 978-84-84492-99-3
http://www.edicionesglenat.es/

Personaje creado por el dibujante Miguel Ángel Gallardo (Lleida, 1955), con guiones de Juanito Mediavila desde la segunda historieta, Makoki se convirtió en un icono del cómic underground español de los años ochenta. Con su característico casco cableado, recuerdo de un electroshock que le dotó de una lúcida demencia de lo más friki, nació a finales de los setenta a partir de un relato de Felipe Borrallo y desde su definitiva desaparición, en 1994, ha merecido un gran número de homenajes. Quizá el más excelente de todos ellos sea este tomo integral con formato gigante que ediciones Glénat publicó en 2003. En esta recopilación de lo mejor de lo mejor de nuestro freak brother se incluyen los álbumes Makoki (1979); La juventú de Makoki (1982) y Makoki en Niu Yors (1985), de todo tipo de artículos y curiosidades sobre el personaje, sus autores y el ambiente de la época en que nació.
Además de líder de una revuelta de majaras en un frenopático digno de tener banda sonora de Kortatu, Makoki fue un laboratorio viviente para los estudiosos de las jergas y las nuevas germanías hasta el punto de tener un significado propio dentro de ese vocabulario (Makoki: macarra, mangui, friki, loco).
El personaje apareció inicialmente en la revista musical Disco Express, de donde pasó a las publicaciones Star y Bésame Mucho, hasta que en 1982, Makoki dio nombre a una revista enfocada al género de humor que tenía como principal gancho al héroe del barrio chino. En esta revista de vida breve, en la que también publicaron mitos como Azagra, Mauro Entrialgo o Calpurnio, Gallardo se despidió del personaje, hasta que, en 1994, lo retomó en solitario para realizar La Muerte de Makoki, una última historia con la que le puso fin definitivo.
Además de ser muy conocido como creador de Makoki, Gallardo es reconocido y respetado por ser miembro fundador, en 1979, de la histórica revista El Víbora. Para esta publicación crearía a La Basca, una pandilla de personajes de los ambientes por los que se movía nuestro héroe, o Buitre Buitaker, un buitre falangista y drogadicto; o El niñato, entre otros. Precisamente, en estos primeros años Gallardo fue uno de los máximos exponentes de la tendencia que se dio en llamar línea chunga, que ejemplificaba El Víbora - de la que Makoki es un perfecto ejemplo - en contraposición a la línea clara de la revista Cairo.

Diario Taqui-gráfico

La Guerra de Alan

Emmanuel Guibert
Ponent Mon, 2008
128 páginas / de dos colores
precio: 16 euros
ISBN 978-84-92444-26-7
http://www.ponentmon.com/

El dibujante y guionista de comics francés Emmanuel Guibert (París, 1964) es el autor de La Guerra de Alan, obra cuya tercera y última entrega acaba de ser editada en España por la editorial Ponent Mon. Guibert es miembro destacado de la nueva generación de la BD francesa e íntimo colaborador de otros autores de la misma como David B o Joann Sfar. Alcanzó gran fama a partir de la publicación de El Fotógrafo, su obra más premiada, donde combinaba dibujo y fotografía a la hora de narrar el trabajo de un grupo de Médicos sin Fronteras en Afganistán.
La Guerra de Alan gira en torno a las memorias de su amigo y en la práctica co-autor Alan Ingram Cope (California, 1925-1999), quien sirvió en la armada estadounidense durante la Segunda Guerra Mundial y que más tarde se retiró a Francia. La historia se expone tal y como nos la contaría nuestro abuelo. Una sucesión de anécdotas por las que van pasando todo tipo de personajes, más o menos carismáticos que entran en contacto con el protagonista. Pasando del cómic a la literatura, podría recordarnos a Kerouac y a esa fina línea que separaba su narrativa de la mera taquigrafía. De todas formas es el excelente trabajo gráfico de un dibujante que se declara ferviente admirador del americano Will Eisner lo que realmente asombra. Un tratamiento que delata el pasado del autor como dibujante de storyboards y que hace que todo fluya de forma casi cinematográfica. Dentro de este apartado destaca la perfecta adecuación de dibujo y tempo a la verdadera protagonista de la historia, la narración; la alternancia de ilustraciones prácticamente icónicas a precisas representaciones casi fotográficas de los hechos, todo sobre fondos minimalistas en cuanto a luces y tonos. Muy logrado es sobre todo el uso del color sepia de una apariencia granulada que recuerda los documentos de esa época y fotografías antiguas. En definitiva, una obra que sorprende por su concepto y su trabajo gráfico y que termina seduciendo sin remisión.

Macanudo 5 (Ediciones de la Flor, 2007)

Macanudo 5 
Liniers

Ediciones de la Flor, 2007

96 páginas / color

Precio: 8,30 euros

ISBN: 978-950-515-782-2

www.edicionesdelaflor.com.ar

Aunque muchos ni se lo imaginan, Liniers, seudónimo del dibujante argentino Ricardo Siri (Buenos Aires, 1973) deja en realidad bien a las claras un azulado origen sanguíneo. Y es que el popular historietista, autor de la serie Macanudo - que ahora ve publicada el quinto volumen recopilatorio en nuestro país -, es descendiente de Santiago de Liniers, quien fuera virrey de Buenos Aires.

Quizá fuera por lo de «nobleza obliga», o no; pero lo rotundamente cierto es que Liniers cultivó, desde la edad más temprana, su espíritu de ávido lector con el estudio de los clásicos. Así se convirtió en un gran conocedor de la obra de Hergé, Goscinny y Uderzo; de Quino, Héctor Germán Oesterheld y Francisco Solano López; de Charles Schulz y Herriman.

Por fortuna para sus hoy millones de lectores, Liniers no eligió dedicarse a su carrera de publicista. En cambio terminó siendo presentado por Maitena en La Nación en junio del 2002, fecha en la que comenzaría a publicar Macanudo en la última página de dicho diario. Desde allí, este genial autor, que cuando se dibuja a sí mismo en alguna tira lo hace transformado en un conejo, ha ido regalando ininterrumpidamente hasta la actualidad divertidas historias de diván llenas de ternura, delirio surrealista y humor poético; con pingüinos y otros extraños personajes - muchos de los cuales han ganado gran popularidad, caso de El misterioso hombre de negro, Alfio, la bola troglodita, Martincito y su amigo imaginario Olga - como figuras recurrentes.

El merecido éxito de la tira se ha visto reflejado en los cinco tomos recopilatorios editados por Ediciones de la Flor y por un sexto lanzado por su propia editorial La editorial Común con las 5000 primeras portadas dibujadas a mano.

El quinto volumen de la serie, en esta ocasión con prólogo de Andrés Calamaro – anteriormente fueron prologuistas la propia Maitena y el también músico Kevin Johansen -, recopila las historietas publicadas entre 2006 y 2007 en el diario La Nación.

Manga pre Obama

Eagle
Kaiji Kawaguchi
Glénat, 2008
416 paginas / blanco y negro
Precio: 10 euros
ISBN: 978-84-8357-684-7
http://www.edicionesglenat.es/

La lectura de Eagle (Glénat, 2008), una de las obras más célebres del dibujante japonés Kaiji Kawaguchi, uno de los autores de manga más galardonados y populares de Japón, provocará que muchos – me incluyo – caigan en la fácil tentación de tildarla como oportunista sobre todo cuando Barack Obama está en boca de todos. Ornada con un pomposo subtítulo, La forja de un presidente, el primer volumen de la serie de cinco que componen este inteligente manga de política ficción guarda sorprendentes coincidencias con la historia reciente del senador afroamericano recientemente elegido presidente de EE.UU., sobre manera si se piensa que tal historia fue pergeñada diez años antes. La serie, que fuera nominada a cinco premios Eisner, describe el brillante ascenso de Kenneth Yamaoka, senador asiático-americano de ficción y su carrera por ser elegido candidato demócrata en las elecciones a presidente de los Estados Unidos de América del año 2000.
En cuanto al estilo, Kawaguchi ofrece todo un compendio de lo que es el perfecto mangaka o maestro manga. De esta manera en toda su obra queda bien patente el predominio de la simplicidad en los detalles y la armonía en la composición combinados con el detallismo hiperrealista del manga. También destaca, como digno discípulo de Osamu Tezuka, su dominio a la hora de aplicar un estilo cinematográfico al lenguaje del manga. Así descompone los movimientos en viñetas diferentes consiguiendo un dinamismo que salpica de abundantes onomatopeyas.
Como conclusión decir que Eagle supone una apasionante ucronía que describe con profusión y ficticia veracidad los tejemanejes y el estrés del proceso electoral norteamericano: filtraciones anónimas de chanchullos de adversarios, robo de anuncios electorales antes de hacerse públicos, el uso de la propaganda negativa sobre los adversarios, celos entre los colaboradores, el uso de ingentes cantidades de dólares para sumar gente a la causa…

Grandes mentiras... (Astiberri, 2008)

Grandes mentiras para niños pequeños
Andy Riley
Astiberri, 2008
96 paginas B/N
Precio: 10 euros
ISBN: 978-84-96815-69-8
www.astiberri.com

En Grandes mentiras para niños pequeños, último libro publicado por el autor de comics Andy Riley en nuestro país, el británico dirige su irreverente sentido del humor hacia los niños y a las mentiras que inventan los adultos para que estén quietecitos y evitar que estorben demasiado.
Dos frases lapidarias vertidas por los críticos acerca del autor de El libro de los conejitos suicidas y El regreso de los conejitos suicidas, títulos con los que ha alcanzado gran popularidad entre los frikis del Planeta, dejan bien a las claras ante qué, mejor dicho, con quién hemos topado. La primera es la siguiente: “muy imaginativo, muy divertido y muy preocupante si eres la madre del autor”. La segunda tampoco tiene desperdicio: “¿qué clase de mente enferma encuentra humor en tanta crueldad?”.
Representante en estado puro de ese típico humor inglés, extravagante, excéntrico, negrísimo y de sal gruesa, que recuerda a los Monty Python, al Sharpe de Wilt; al Adams de La guía del autostopista galáctico o a Mr. Bean, Riley es el más bestia – o “aconejante” – entre todos los mencionados. Quizá su humor se encuentre más cercano al de series animadas como Padre de Familia, Los Simpson o South Park. Y esto no es extraño ya que, paralelamente a su actividad como dibujante de comics, Andy Riley es un conocido guionista de cine y televisión. Entre sus créditos figuran Spitting Image y Little Britain, así como Trigger Happy TV, Smack the Pony, Black Books, Robby the Reindeer y la película animada Gnomeo and Juliet, de Disney.
En resumen, Grandes mentiras para niños pequeños propone, con mayor o menor fortuna, casi un centenar de cuentos chinos que van desde los simplemente falaces hasta los realmente crueles. Así nos encontramos con perlas como “Tienes que ponerle nombre a todas las hormigas que veas”, “Las leonas llevan lectores de código de barras” o “Te compraremos un pony si lavas el coche” además de la explicación de algunas dudas universales como ¿qué hacen las hormigas si les das unas chinchetas?, ¿Adónde va el sol cuando se pone? o ¿Dónde se crean los vientos?
Ya nadie está a salvo.

Un gurú imperecedero

Las enseñanzas de Mr. Natural:
Iluminaciones
Robert Crumb
La Cúpula, 2008
142 paginas / blanco y negro
Precio: 18 euros
ISBN: 978-84-7833-846-7

www.lacupula.com

Ediciones La Cúpula, fiel a su filosofía empresarial, sigue apostolando, ups, apostando por el cómic underground en nuestro país para mayor gloria de sus aficionados. Las Enseñanzas de Mr. Natural: Iluminaciones es el cuarto recopilatorio que la editorial catalana publica de Mr. Natural, anciano gurú de la contracultura, un personaje cachondo, divertido y lisérgico. Y además es la decimosexta obra que publica de Robert Crumb (Filadelfia, 1943).
En la California de finales de los sesenta, en pleno auge de la psicodelia y del flower power, el americano fue el auténtico fundador del llamado cómic underground y hoy es la figura más destacada de dicho movimiento. Creó personajes que pronto se convirtieron en iconos de la contracultura, como Mr. Natural, Fritz the Cat, Flakey Foont, Shuman the Human o Angelfood McSpade. Ellos le sirvieron para abordar abiertamente temas tabú en los tebeos de entonces como el sexo y la crítica política. También fue ilustrador de portadas de bandas de la época como, por ejemplo, Cheap Thrills (1968), del grupo Big Brother and the Holding Company, cuya cantante era, ni más ni menos que Janis Joplin.
A pesar de ser uno de los más conocidos autores del noveno arte durante más de 40 años, Robert Crumb siempre ha desarrollado su carrera al margen de la industria, lugar desde el que ha seguido creando historietas tan brillantes como políticamente incorrectas.
Su estilo, en el que se mezclan influencias de artistas de los primeros años del cómic, es totalmente reconocible y ha tenido una repercusión enorme en la historia del cómic mundial. Su influencia sobre autores americanos contemporáneos – Peter Bagge, Joe Matt, Daniel Clowes… - y europeos – por ejemplo, los españoles Miguel Ángel Gallardo, Max… - ha sido evidente. Por todo ello, Crumb es uno de los grandes artistas del siglo XX, uno de esos clásicos que cualquier aficionado al cómic debe conocer.

Ejercicio de memoria

No te olvides de recordar

Peter Kuper
Astiberri, 2008
272 páginas B/N
Precio: 21 euros
ISBN: 978-84-96815-72-8

www.astiberri.com

El mundo de la novela gráfica vive una auténtica explosión de ese subgénero llamado slice of life (literalmente: «rebanada de vida»). El mundo del cómic rebosa de historias costumbristas de tipo autobiográfico, descritas al mínimo detalle. Forman parte destacada del slice of life autores como Peter Bagge, Daniel Clowes, Joe Matt, Joe Sacco, Ramón Boldú o Craig Thompson pero casi todos los grandes han visitado el género en alguna ocasión sin circunscribirse a él. Aquí me refiero a Jiro Taniguchi, Will Eisner, Lewis Trondheim…y ahora a Peter Kuper (EE.UU., 1958).
Al igual que esos excelentes autores tentados por el slice of life que no han pretendido convertir al lector en un mero voyeur de vidas de dibujantes, Kuper nos presenta No te olvides de recordar (Astiberri, 2008), una brillante novela gráfica autobiográfica en la que ha invertido más de 13 años. En ella el dibujante e ilustrador americano reflexiona acerca de su vida como marido, padre y amigo entremezclando de forma brillante sucesos de su vida actual y sus problemas de padre primerizo con sus recuerdos de adolescencia y juventud. La descripción detallada e hilarante de sus metas de entonces - perder la virginidad, colocarse, la masturbación como ejercicio diario – parecen llevarnos inevitablemente a Joe Matt o Ramón Boldú.
Pero Kuper, autor de varias adaptaciones de Kafka al cómic así como de portadas para Time y Newsweek, es mucho más profundo. Va más allá para, a través de una mirada madura e inteligente, conducirnos por los altibajos del matrimonio y la paternidad, incluidos la depresión posparto de su esposa y su consiguiente pérdida de interés en el sexo, los miedos que amenazan a su hija, sus reflexiones políticas – magníficas sus páginas en las que parodia la figura de George Bush -, la manera en que disfruta de su hija - y también cómo le vuelve loco - y la tristeza por la pérdida de la amistad.

Armario con dos puertas

Fun Home: una familia tragicómica
Alison Bechdel
Radom Haus Mondadori (2008)
234 páginas / color bitono
Precio: 18,90 euros
ISBN: 978-84-39721-04-8

Fun Home: Una familia tragicómica (2006) es una de las obras más importantes y definitivas que ha dado la novela gráfica norteamericana en las últimas décadas. Su calidad narrativa, su densidad intelectual no exenta de fina ironía y humor, su perfecta armonía descriptiva entre textos y viñetas son tales que la frontera entre cómic y literatura queda difuminada. Pero quizá por lo mismo, Fun Home resulte una obra difícil, exigente, en cierta medida pretenciosa y no apta para todos los públicos. Su autora es la dibujante norteamericana Alison Bechdel (Lock Haven, Pennsylvania, 1960). Bechdel es una artista prácticamente desconocida en España para el gran público ya que hasta la fecha sólo Ediciones La Cúpula había editado, dentro de la colección dirigida al público gay y con el explicito título de Unos bollos de cuidado, tres álbumes recopilatorios de su serie más conocida: la tira de prensa titulada Dykes To Watch Out For.
Pero este aspecto, el de la homosexualidad de su autora, no debe servir para prejuicios o pérdidas de perspectiva acerca de un cómic exquisito. Es evidente que el lesbianismo de la autora juega un papel importante en la historia. No en vano se trata de una narración autobiográfica que entre otros aspectos describe el descubrimiento y aceptación de dicha homosexualidad por parte de Alison al igual que revela la historia de un padre gay que jamás quiso o pudo salir del armario. Precisamente el personaje del padre, profesor de inglés al igual que la madre, y encargado de un negocio familiar que no es otro que la funeraria del pueblo – de ahí el título del álbum Fun Home, la casa feliz – es quien en realidad vertebra, como hilo conductor, toda la trama. O quizá, más exactamente, la relación amor – odio entre padre e hija. Tampoco debe pasarse por alto el papel fundamental que juegan libros como La muerte feliz, de Albert Camus; En busca del tiempo perdido, de Marcel Proust, El gran Gatsby, de Scott Fitzgerald y sobre todo Ulysses, de James Joyce. Todos ellos lecturas fascinantes que mantienen obsesionado al padre durante toda su vida:
Si además esta novela gráfica cuenta con una excelente reproducción, colores perfectos, papel adecuado y una acertada rotulación cualquier sibarita del cómic no podrá más que gozar con la obra que le ha caído entre las manos.

Re-flexiones mentales

Ángel Sefija:
Desde el quinto pino
Mauro Entrialgo
Astiberri, 2008
80 paginas color
Precio: 12 euros
ISBN: 978-84-96815-75-9
www.astiberri.com

Hay comics que narran historias; otros sirven para pasar el rato; también hay de los didácticos y no faltan aquellos otros que buscan concienciar. La nueva entrega del dibujante Mauro Entrialgo (Vitoria, 1965), ésa que bajo el título Desde el Quinto Pino reúne las planchas 298 a 373 de la serie Ángel Sefija publicadas originalmente en el semanario El Jueves, entre 2006 y 2008, son pildoritas concentradas de espabilina® para nuestras mentes adormecidas; tablas suecas completas de ese humor repleto de ironía que parte la caja. Y es que Ángel Sefija desde el Quinto Pino tiene un poquito de todo: recoge historias muy cercanas que la mayoría de todos hemos vivido, estamos viviendo o viviremos; sirve para pasar el rato, sobre todo en el cagadero - termino especializado recogido en el propio álbum - gracias a su formato original de historia por página; es didáctico, vaya si lo es; y conciencia de tal forma que uno termina afirmando a voz en grito: ¡mecagüen, desde hoy no me toca los huevos ni dios!
Con Ángel Sefija desde el quinto pino ya son cinco los volúmenes recopilatorios publicados - tres con Astiberri, tras Ángel Sefija por tercera vez (2006), y Ángel Sefija con cuatro ojos (2007) – de Sefija, un escritor frustrado, madurillo y gran observador, que diserta con humor, ironía y desarmante lógica sobre los más variados temas que se le ponen a tiro en el día a día. Si a todo lo arriba se descrito se le añade que este el cómic lo introduce, con perdón, el periodista, escritor, guionista y de una vez prologuista de Mauro Entrialgo, Pepe Colubi, no debería hacer faltar apostillar que este es el regalo de Navidad definitivo que usted nunca se atrevió a soñar para el pánfilo de su cuñado.

Un África muy normal

Aya de Yopougon 2
Marguerite Abouet / Clément Oubrerie
Norma Editorial, 2008
128 paginas / color
Precio: 18 euros
ISBN: 978-84-9847-531-9
http://www.normaeditorial.com/

En los dos volúmenes editados hasta la fecha en España de Aya de Yopougon, premio al mejor primer álbum en el salón de Angoulême 2006, la autora marfileña Marguerite Abouet, con la ayuda del magnífico dibujante francés Clément Oubrierie – sus ilustraciones de trazo fino con un color que asemeja al de la acuarela dan al conjunto una sensación de gran calidez -, describe el día a día de la gente de un África donde no todo son conflictos bélicos ni pobreza extrema. La primera reacción de los habitantes del denominado primer mundo ante tal tranquilidad social, acostumbrados a seguir «la actualidad africana» a ritmo de genocidios y hambrunas, de metralletas y pateras, es de enorme extrañeza. Apenas se pueden imaginar que en un continente como el africano existan espacios apacibles donde uno pueda divertirse y vivir en paz. Uno de ellos es Yopougon, el bullicioso barrio de Abiyán, capital de Costa de Marfil, donde tiene lugar gran parte de la historia protagonizada por Aya, Adjoua y Bintou, tres jóvenes y guapas amigas del barrio con muchas ganas de vivir y muy distintas actitudes frente al futuro. Mientras la mayor preocupación de Adjoua y Bintou es la de escaparse de la vigilancia de sus padres para ir a la discoteca a bailar y pasar el rato con otros chicos rebeldes como ellas, Aya desea estudiar para convertirse en una buena doctora.
Aunque pueda decirse que Aya de Yopougon es un tebeo para adolescentes, no se trata de una obra ñoña y edulcorada, donde todos los temas se tocan con frivolidad. Tras la supuesta apariencia de la historia simple y costumbrista de tres amigas adolescentes en Costa de Marfil encontramos un cómic inteligente, divertido y muy bien narrado que muestra el trasfondo de una realidad africana, tan real como la onerosa que conocemos a través de los medios, capaz de interesar al lector adulto como un atractivo medio para aprender sobre el África subsahariana.

Una de vaqueros

Durango 1
Yves Swolfs
Planeta DeAgostini, 2008
144 paginas color
Precio: 13,95 euros
ISBN: 978-84-674-5594-6

Al igual que en el séptimo arte, donde el western es uno de los géneros fundamentales en el contexto de lo que se entiende como ‘cine clásico’, el cómic siempre ha sido muy receptivo a ese capítulo de la historia de los Estados Unidos popularmente conocida como la Conquista del Oeste. El cómic, insisto, ha reflejado a menudo y con pasión la iconografía más característica de tal periodo - sombreros tejanos, pistolas, chalecos, caballos, desiertos, cañones, ciudades-calle, saloons, ranchos, diligencias, indios...-, creando series tan destacables como Blueberry, de Jean Michel Giraud; Comanche, de Hermann; o Jonathan Cartland, de Michel Blanc-Dumont; por nombrar tres de auténtico culto entre una lista que resultaría interminable y a la que pertenece, en lugar destacado, Durango.
Como si del mismísimo Sergio Leone de la viñeta se tratara, su autor, el belga Yves Swolfs (Bruselas, 1955), comenzó a publicar a principios de los ochenta esta serie que reescribe las fórmulas del spaghetti western a lo largo de sus 14 álbumes editados hasta la fecha. En ellos se relatan las peripecias de pacificador llamado Durango. Inspirado sin vergüenza alguna en el Clint Eastwood de La Trilogía del dólar de Sergio Leone (a saber: Por un puñado de dólares, La muerte tenía un precio y El bueno, el feo y el malo) al que se le añaden abundantes dosis de ese western abigarrado y violento propio del gran Sam Peckinpah, Durango aplica una justicia que todos comprenden en el Salvaje Oeste: la de su pistola Mauser C96.
El formato elegido por Planeta DeAgostini para este primer tomo de Durango que recopila las tres primeras entregas de la serie - Los perros mueren en invierno, La fuerza de la ira y Trampa – es el llamado BD Book. Este formato reduce el tamaño original de la obra en aras de una mejor relación número de páginas / precio. Sin embargo, esa misma reducción y la dudosa calidad en el escaneado de varias páginas dejan insatisfecho al más sibarita lector de tebeos.
En cuanto al estilo, Durango muestra a Swolfs, hoy bien conocido en nuestro país por obras como Leyenda o James Healer, como un dibujante algo primerizo, hábil narrador y poseedor de un estilo clásico y detallista influenciado por Giraud, que va mostrando una evolución gradual y constante hasta convertirse él mismo en un maestro.

La tiene (re)clara

Las aventuras de Blake y Mortimer:
El santuario de Gondwana
Yves Sente y André Juillard
Norma Editorial, 2008
56 paginas color
Precio: 15 euros
ISBN: 978-84-9847-559-3

www.normaeditorial.com

En la mejor tradición franco-belga del género aventurero-literario se encuentra la serie de culto Las aventuras de Blake y Mortimer. Creada en 1946 por el autor belga Edgar P. Jacobs, su última entrega, El santuario de Gondwana (Norma editorial, 2008), acaba de ser publicada en nuestro país, en esta ocasión con guión de Yves Sente y dibujo de André Juillard (Las siete vidas del Gavilán, Pluma al viento, El largo viaje de Lena…). Respetando escrupulosamente las enseñanzas de su maestro, amigo y mentor Hergé, Jacobs hizo suyos el trazo limpio, los colores planos, la renuncia absoluta a efectos de sombra o de luz y el desarrollo lineal de una historia concienzudamente documentada, todos ellos elementos característicos de ese estilo conocido en el mundo del cómic como ‘línea clara’ y que muchos asocian, no sin equivocación, al padre de Tintín.
Tras la muerte de Jacobs, en 1987, Las aventuras de Blake y Mortimer han sido continuadas hasta hoy por diferentes autores como Bob de Moor así como por las duplas Jean Van Hamme y Ted Benoit e Yves Sente y André Juillard, todos ellos elegidos por su respeto por la línea clara.
El santuario de Gondwana lleva al profesor Philip Angus Mortimer, físico nuclear de origen escocés, y al capitán Francis Percy Blake, oficial galés del servicio secreto de Su Majestad, la pareja que da nombre a la serie y recuerda a la formada por Sherlock Holmes y el doctor Watson, al corazón de África para investigar unos restos de una antigua civilización, presuntamente más avanzada que la humana. No se darán cuenta de que su archienemigo el coronel Olrik les ha estado siguiendo mucho más cerca de lo que podrían imaginarse. Como gran novedad destaca el papel cada vez más importante que juegan las mujeres en sus aventuras.

Los huevos de Picasso

El Salón
Nick Bertozzi
Astiberri, 2008
192 páginas color
Precio: 22 euros
ISBN: 978-84-968-1536-0
www.astiberri.com

En El Salón (Astiberri, 2008), el autor norteamericano de cómic independiente Nick Bertozzi no ha dudado en ‘rehacer’ de forma muy personal e imaginativa una parte fundamental de la historia del arte – el origen del cubismo – a la hora de acometer una inteligente trama en la que se funden elementos del cine de suspense - unos misteriosos y brutales asesinatos - y del realismo mágico latinoamericano - cierta absenta de color azul con poderes místicos capaces de introducir al que la bebe en un cuadro -. Aclamada por crítica y público, el último cómic de Bertozzi ha recibido una dosis extra de publicidad en los EE.UU a causa del juicio por obscenidad a un librero de Georgia por vender un cómic en el que se le ve la polla a Picasso, entre otras escenas de ‘sexo explícito’ que en Europa nos resultan inocentes.
Con el París de 1907 como escenario, El Salón recrea libremente las tertulias reales que tuvieron lugar en el domicilio parisino de Gertrude Stein, mecenas de varios de los intelectuales y artistas más influyentes de la vanguardia artística del siglo XX como fueron Pablo Picasso, Georges Braque, Guillaume Apollinaire, Erik Satie o Alice B. Toklas, entre otros. A todos ellos. Bertozzi les convierte en directos protagonistas de la trama.
En cuanto a lo gráfico, en El Salón destacan la medida planificación de unas páginas apaisadas que, en retículas rígidas de cuatro viñetas ligeramente alargadas, parecen dar un homenaje a las tiras de los periódicos; el fascinante uso del color, en total coherencia con unos dibujos que se ajustan como guante de seda a lo que se quiere contar; la profundidad de unas viñetas, con personajes dibujados desde todos los ángulos posibles en segundos y terceros planos que dotan a las páginas de un efecto tridimensional.
Por todo ello, El Salón es un trabajo destinado a un público adulto y sibarita, en contraposición con Houdini: El rey de las esposas (Astiberri, 2007), su anterior trabajo junto a Jason Lutes, cuyo dibujo había sido conscientemente simplificado para acercarse a un público juvenil y no necesariamente relacionado con la historieta.

Todo al Uno

Batman Año Uno
Frank Miller y David Mazzucchelli
Planeta DeAgostini, 2008
144 páginas color
Precio: 15,95 euros
ISBN: 978-84-67452-64-8

Entre los aficionados adultos a los comics de superhéroes hay unanimidad a la hora de señalar Watchmen (1986), de Alan Moore y Dave Gibbons; El regreso del caballero oscuro (1986) de Frank Miller y Batman: Año Uno (1987-88), ésta con guión de Miller y dibujo de David Mazzuchelli, como tres de las obras cúspides del género. Es más, estudiosos de la Universidad de Ohio han constatado un hecho sorprendente. Cualquier conversación entre cómic-frikis, sea en librería especializada, comicteca u otro lugar donde habiten dichos especimenes, durante la que se nombre alguno de los títulos arriba mencionados, se detiene en seco. Entonces se hace un silencio de algunos segundos pleno de recogimiento admirativo –algunos incluso se santiguan - para luego retomar la charla en el punto donde se había detenido. Y es que los tres revolucionaron por completo el panorama del cómic de superhéroes otorgándole un nuevo enfoque más adulto, oscuro y crepuscular. Ahora, gracias a la nueva reedición en formato de lujo que ha lanzado al mercado Planeta DeAgostini se nos ofrece una oportunidad de oro para acercarnos a esta rompedora reinterpretación del origen de Batman: quién es y cómo llegó a serlo pergeñada por un Miller en estado de gracia que usa magistralmente elementos de género negro para narrar los inicios del Hombre Murciélago, y un Mazzucchelli que dota al personaje del mejor dibujo que haya tenido nunca. Esta edición incluye la novela gráfica al completo, una introducción de Denny O´Neil y un nuevo epílogo ilustrado de David Mazzucchelli. Completando la edición hay casi 40 páginas de material nunca visto sobre la génesis y desarrollo del proyecto, con bocetos e incluso páginas del guión original.

Kómiks kafkianos

Yo maté a Adolf Hitler
Jason

Astiberri, 2008
48 paginas color
Precio: 12 euros

ISBN: 978-84-96815-70-4

www.astiberri.com

John Arne Sæterøy (Molde, 1965), alias Jason, es un dibujante y guionista noruego que está considerado como uno de los grandes autores de la escena underground europea actual. Desde que iniciara su carrera, en 1981, Jason ha visto reconocida su obra con innumerables galardones nacionales e internacionales. El último en llegar ha sido, este mismo año, el prestigioso premio Eisner, una distinción equiparable a los Óscar cinematográficos.
Yo maté a Adolf Hitler (Astiberri, 2008), el quinto de sus títulos que se edita en España, combina ciencia ficción y reflexiones existenciales sobre dos suposiciones bien surrealistas: ¿Qué pasaría si viviéramos en un mundo en el que “asesino a sueldo” fuera una profesión tan normal como la de médico o abogado? ¿Qué pasaría si un científico contratara uno de esos asesinos para viajar atrás en el tiempo y matar a Adolf Hitler antes de su subida al poder?

En Yo maté a Adolf Hitler queda patente que Jason es un artista diferente. Su dibujo minimalista, su ritmo sobrio, su rigidez a la hora de distribuir las viñetas por página, sus hieráticos animales antropomórficos a los que, aparentemente, el artista noruego apenas permite mostrar cualquier signo de emoción – sólo en apariencia que no he visto jamás bichos dibujados expresar tanto con tan poco -, le sirven para ofrecernos un retrato original y absolutamente kafkiano de la fragilidad y soledad humanas. Pero también encontramos esa ternura, poesía y humor agudo que, subyacentes en toda su obra, le permiten conectar con el lector y hacer que sus libros sean no sólo brillantes ejercicios de estilo, sino también dotarlos de una profundidad que pocos autores consiguen alcanzar.